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今年春天在高美館華麗現身的《世界—林明哲的藝術收藏》，透過林明哲先生的私人收藏所呈現的微型西方美術史，相信您一定記憶猶新！現在，展覽同名專輯在千呼萬喚中熱騰出版囉！除了完整呈現所有展品以及展品說明外，也特別收錄展覽期間各家媒體的精采專訪及專文，以及動態影音連結；232頁的精采圖版和豐富內容，以及超美的精裝裝幀。

《人類世－凝視．消逝中的地表》以動人心魄的影像、電影和沈浸式體驗呈現人類對地球影響。展出國際知名攝影師愛德華．伯汀斯基(Edward Burtynsky)，以及知名紀錄片導演珍妮佛．貝奇沃(Jennifer Baichwal)與尼可拉斯．德龐希埃(Nicholas de Pencier)共同創作的作品。本展除了在加拿大展出外，2020-2023更在義大利、瑞典、荷蘭及阿根廷等地巡迴展出。而此次到台灣的巡迴展更是首次加入在地藝術家齊柏林、楊順發、盧卡斯與盧昱瑞到展覽中，一起探討「人類世」對於地球的影響，重新省思人造地貌、地質變異與自然生態間的關係。

「眾聲·嬉境邱國峻個展」是2021年高美館創作論壇徵件所獲選的策展計畫。本次展覽由策展人邱誌勇策劃；展覽集結了藝術家邱國峻，近年來三大創作核心-神遊之境、眾生聯盟、與神遊仙境系列作品。邱國峻以影像與傳統刺繡工藝的交疊，探討了台灣信仰文化裡的眾生面貌，以攝影的敘事開展、將繡線注入繪畫，與想像的語言，也創造了影像之外的多層意涵。

從2020年開始，策展團隊便與高雄市立美術館共同策劃《盪－吳瑪悧個展》，歷經三年的細緻研究，團隊試圖從本次展覽中回應她與時俱進地自我養成及獨特的美學態度，不僅深入吳瑪悧個人多線的發展軌跡外，同時亦從她身處的時代以及所介入的機制來探討其中的影響力。

《藝術認證》自2005創刊以來，作為高美館的館刊從南方觀點出發，關注豐富多樣的藝術議題，從城市的公共藝術政策、高雄藝壇、南島當代藝術到呼應高美館各期特展的深入評析，是目前最堅韌持久的南方藝術雜誌。本期是《藝術認證》的100期，也是《藝術認證》在2021年雜誌大幅改版後的第五期，似乎是個值得回顧與展望的時間點。 因此，本期規劃了兩個專題，第一個是「100期的接力」，18歲的《藝術認證》在各個時期的編輯團隊細心照料下茁壯成長，「接力」不但是各任編輯群之間的接續努力，也是每一期編輯刊物的接力流程，從發想專題、邀稿、校對、排版、印刷到上架銷售。每一次團隊全力衝刺後，根據累積的經驗進行軌跡與速度的修正，才能及時、精準的交付內容到讀者手上。本專題邀請長期參與《藝術認證》撰稿的黃志偉老師撰文回顧他個人的撰稿經驗，同時回顧《藝術認證》歷年發展、研究高雄藝術雜誌的徐婉禎老師評論繼承南方色彩的《藝術認證》如何展現在地藝評的演化。本專題也特別邀請曾深度參與《藝術認證》編輯的高美館館員曾媚珍、林佳禾、余青勳進行編輯快問快答，分享編輯刊物背後的甘苦趣談。最後編輯部也列出我們私心推薦的《藝術認證》期數，推薦給新讀者上手、老讀者回味。除了回顧《藝術認證》的來時路，本期第二個專題「館刊鍊成術」則收錄國內外館刊的案例分享，探問館刊的未來。首先由資深雜誌編輯江家華（曾任《PAR表演藝術》客座總編輯）與林怡秀（嘉美館館刊《回歸線》主編）對談，分享對於館舍雜誌如何於親民與學術之間取得平衡。接著邀請國立台灣文學博物館館刊《閱：文學》改版統籌翁浩原與國立台灣歷史博物館館刊《觀．臺灣》陳涵郁前執行主編，分享雜誌與博物館品牌之間共生加乘的關係，另外也收錄國外案例，由詹育杰剖析法國東京宮當代藝術中心的東京宮雜誌，以及專精博物館數位行銷的王欣翮分享M+、大英博物館與倫敦博物館的數位雜誌模式。從刊物與館舍的定位、與特展的串聯、品牌行銷、編輯實務到數位網站的思維，第一手揭開「館刊」的製作內幕與獨特魅力！本期也持續帶來精彩的專欄內容，「展演觀察」部分呼應兩檔展覽《盪－吳瑪悧個展》與《寓懷的行板：劉生容研究展》，由陳明惠老師以生態女性主義的角度介紹藝術家吳瑪悧的創作，並邀請藝術家李立中爬梳劉生容的賽鴿檔案，側寫出藝術家不為人知的一面。「南島人物」則邀請蕭鄉唯評論排灣族藝術家拉夫拉斯．馬帝靈的創作〈檢體〉、藝評人高立

《世界―林明哲的藝術收藏》是高美館難得以台灣藏家收藏為主軸，並透過高美館美術專業進行梳理，進而展現館內策展研究能量的展覽。林明哲先生是在地企業家，同時也是台灣具代表性的收藏團體「清翫雅集」成員之一，其逾50年的收藏歷程超過8千件的收藏品，而最可貴的在於他不獨樂，而十分樂於將收藏品分享眾人共同欣賞。每一件藝術品都在在展現著藝術家詮釋世界的獨有視野。

黃步青是臺灣最早以複合媒材為主要創作形式的藝術家之一。本展覽從全觀式的研究出發，展出藝術家的早期重要素描、繪畫，及各時期代表性的複合媒材和裝置作品等逾百件，展品跨度從藝術家高三時期到現在，橫跨半個世紀之長，是藝術家創作生涯中重要的回顧性大展；展覽中更重現包括1999年參加第48屆威尼斯雙年展的〈野宴〉、2002年〈思空非想〉等大型裝置。「惟•物•觀」作為展覽軸線，惟：指思惟、思考，代表黃步青對於生命/記憶、死亡、慾望等的議題思考；物：物質，則是藝術家使用的材料形式；觀：觀看、觀點、視角，為思與物的交織，也代表藝術家回返自身對於生命的探討。

本專輯為高雄市立美術館2023高雄獎徵件得獎作品，徵件內容豐富，有書寫、繪畫等相關平面作品，亦有空間、影像、科技及計畫、跨領域藝術作品，本次徵件得獎共計26件。媒材類型：水墨、膠彩、壓克力、油畫、影音、裝置等

本次展覽，來自在地企業家林明哲的收藏，林明哲19歲就讀東方工專(今東方設計大學)時即擁有人生第一件藝術品，迄今逾50年的收藏歷程，藏品超過八千多件。本次展出的90件作品，其創作時代的涵蓋，約自十七世紀到二十一世紀的這500年間，也恰是藝術家的角色及創作動機，發生偌大改變的一段時間。從匠師到哲學家，從朝臣到商人，大師學徒與知名學院，有傳統的經典承襲亦有浪漫的自由追尋。到了二十世紀初，許多自文藝復興起建立起來的關於藝術與科學的定義，藝術家挑戰並重新檢視許多我們賴以定義、描述及解釋自己生存世界的規則，而我們所熟知許多當代藝術家所追求的，正是這種透過藝術，得以重新經驗與定義世界，同時緊握機會，開創新的書寫規則，和足以吸引大眾的策略。

走過戒/解嚴：藝術家如何書寫大時代？1970-1990年代的高雄藝術，究竟是何模樣？本次專題精選2022年12月「走過戒/解嚴：藝術家如何書寫大時代？」論壇發表文章，聚焦戒嚴與解嚴前後，彷彿壓力鍋來到極限又驟然釋出的眾聲喧嘩年代，由特邀講者、與談人及徵文發表人與您一同思索：時代變遷下的高雄藝術家，如何透過創作來反思戒嚴時代的迫害與壓抑？他們又是怎麼回應解嚴後激越的藝術動能，衝撞外在束縛，進而對今日的藝術生態產生影響呢？而在美術館的展示上，又該如何將時代的藝術特質濃縮於展場？

本館於2017年行政法人化後，持續以「關鍵典藏」策略而累積質量並重之典藏成果。為展現2021年「關鍵典藏」成果所編撰之《典藏目錄2021》，擬邀請專家學者針對2021年新進典藏撰寫專文解析與賞析，包含關鍵典藏57件、捐贈50件、高雄獎4件等共計111件典藏品。本書以入藏方式為章節架構，每件典藏品內容包含圖版、基本資料、專文解析或短文賞析等內容，另亦載有藝術家小傳。

《抽象高雄》呈現的是藝術家以「形容詞」取代「地理名詞」，來描繪心中所感受的高雄；跳脫過往對於高雄或者所在地的敘述性觀察，轉向藝術家對身處周遭環境的反思與萃煉。展覽的中心概念為「城市」，透過藝術家的作品看到城市的獨特性格與魅力，以及多年來居住在此生活的感受。藝術家以抽象作為創作的方法，以高雄作為主題的對象，所創造出來的城市印象，在主觀與客觀之間以及各個世代藝術家在面對城市的面貌，也有各自表述的形式。更有趣的是，觀察發現，藝術家的抽象是在具象寫實之外的變形，因應時代與環境所產生的藝術體。我們可以不用再以西方主義理論下的抽象觀念來檢視高雄藝術家的抽象創作。這自成一格的抽象高雄，是想像也是情感的延伸。

本期藝術認證因應2022年5月上檔的《光-臺灣文化的啟蒙與自覺》展覽與黃土水入選帝展、下落不明許久的經典代表作〈甘露水〉再度現身的藝術史大事件，以「尋件啟事」為當期專題，試圖探究藝術史上潛藏已久後重見天日的作品，同時探究使其埋沒、消失的緣由。透過拼湊他們散落的線索，不僅是還原藝術家創作的歷程與時代背景，更可能拓展、甚至顛覆我們的觀點，建構出更多元、豐富的藝術史。

本展由策展人黃志偉（崑山科技大學視覺傳達設計系副教授）所策畫，展覽以計畫為名，實具備媒體實驗性及時延性，探索創作過程所延展出的諸多面向以及開放的可能，讓創作的變化、歧異、不確定性與意外等因子得以自由的進出創作場域之中。 藝術家呂沐芢與焦聖偉共組的「眼蟲計畫」繪畫團隊，成立於2011年「新台灣壁畫隊」移地創作台北場的創作現場，以「隨心風景」系列開啟其創作脈絡。定名「眼蟲計畫」是因眼蟲藻的可變化形態與趨光性，兼具動物與植物的特質，其攝食、排泄、生長、繁殖是可同時又可變的，「眼蟲計畫」將繪畫的行動、計較、對話、對峙、相互抹除再增添，層層削去與堆疊，發揮其特性，傳達出創作的不確定性。 團隊在面對不同的場域特性，感應出因時因地因事因人而異的繪畫內容，在創作的同時並進行縮時攝影，讓影片與繪畫之間形成一種相互參照、對話的微妙關係。二位藝術家對於繪畫有著天真浪漫的態度，天馬行空的創作系列如「神人」、「飛碟人」、「大地魂」、「花花世界」等，畫面色彩繽紛、姿態奇巧，創作內容則圍繞在環境、土地意識的關懷與想像中，繪畫過程從原始的透明、層疊、混濁、乾澀、流動的肌理，逐漸轉變為色彩鮮豔、繽紛且厚實不透明圖層的表現，不斷在不同的系列與階段中變化著。「亞空間」則將繪畫轉成空間裝置，探索新的可能性，運用各種媒材裝置與構成。 藝術家創作的過程也像是一個繪畫行動劇場或舞台劇，呂沐芢的「蓋亞計畫」透過生活的實踐與藝術結合，真切地表達他對土地—地球的關懷；焦聖偉則以一種隨時隨地都在動筆的繪畫狀態在創作著…隨時可生出圖像，讓圖像再生圖像，如同眼蟲藻不斷地分裂、繁殖。「未抵達的模糊」是對於未知可能的想像，是共同創作中最具挑戰性的地方，團體創作的可能性，繪畫行動、誰是作者，創作時間設定等，帶給觀者各種思考面向。策展人梳理二位藝術家個人的創作脈絡，帶入「眼蟲計畫」共同創作的核心問題，以如何處理一種和棋的局面去打破其合作的慣性？透過本展覽的呈現，重新創造一場精彩而別開生面的新局。

「築思構界—劉呈祥」是藝術家劉呈祥於高雄市立美術館市民畫廊之首次個展，展出其從2016年迄今包含數位演算作品、攝影、錄像、空間裝置等跨媒材多樣作品，呈現藝術家對人造與自然之間核心關係的關注，築構一個與觀者共振的可感知世界。 「築思構界」來自本展兩大主題概念：「築思」與「構界」，以「思維中的成形」（form in mind）與「視覺中的構築」（build in eyes）相互生成與辯證，展出所對應之「思緒 宇宙」與「築 視界」系列創作精選，並特別收錄藝術家2022年於法國南特駐村期間之最新創作，完整呈現藝術家各階段創作的軌跡，銜繫不同系列作品之間對空間性與時間性的演繹，形成其創作思路的循環迴圈。 「思緒 宇宙」為劉呈祥一系列衍生藝術（generative art）作品，藝術家嘗試打破既有創作程序與思考模式，結合自然界生成邏輯，創造不同之演算法，運用程式碼代替畫筆，由點線之間的連結和疊加而生成數位之繪畫性圖像，在數理邏輯中形成感性的星象景觀。同時亦探討著人類與機器的互動合作關係，觸及當代對人工智慧與創造力、創生之間等議題。 誠如對藝術家而言，攝影是一種講述故事、理解世界的過程，透過攝影者之角度去轉譯世界中的紋理，形成獨特的語言。「築 視界」一系列攝影創作描繪建築、城市風景，捕捉人造與自然環境中的光影形色，形構幾何韻律之抽象空間；此系列創作呈顯攝影藝術不僅僅作為一種觀看視角、視覺性表現，更是透過此一媒介作為創作者與環境連結的過程，藝術家在世界中移動、尋找、探索之行跡。 藝術家從「點」最小單位像素出發連結為「線」，由關係堆積成「面」，在時間中形成為「體」對應於真實世界。駐足於劉呈祥的影像創作，猶如沉浸於光子運行軌跡形成的浩瀚宇宙，在意識與無意識、宏觀和須臾之間流變形象的創生視界。

「范布倫之星」是福爾摩斯劇中一顆關鍵破案的超新星，但現實中卻是一顆因劇情而虛構出的星星。回到遠古航海時期，星星在南島文化中是指引前行的光，但同時也是靈魂最後的歸處，所以在達悟文化中有一說是：星星是「天上的眼睛」。2021年，第11屆高雄國際貨櫃藝術節面臨了世界的變革，因疫情而導致的港口卡關、航運阻塞，以及全球性缺料缺櫃等。在一櫃難求的狀態下，讓我們一再省思過往的經濟模式與生活態度，透過「范布倫之星」為想像，開展出一種「不在場的貨櫃」意象，藉由類貨櫃媒材的使用，保存了貨櫃的靈魂，也翻轉了貨櫃過往的厚重感，創造出一種航向新世界的輕盈，及帶出人們對於未來的期盼與希望。「我們每個人心裡都有一顆星星」，在後疫情的時代中，除了以更謙卑的姿態來面對及回望自然外，更要讓內在的星光，重新引導我們看見未來的新盼望。而2021高雄國際貨櫃藝術節「范布倫之星」，將以一種穿越過往與未來的意象，藉由「光」來乘載城市的回憶與希望，織界出銀河星空下的一花一天堂，同時也開啟了寰宇世界與地球母土間的篇章。

｢雄‧蓋‧麗‧駭—高雄雕塑協會聯展｣由全體協會成員加上創始發起人，共計23位作者49組件作品所構成。創作媒材與形式的多樣多元，說明此團隊正是以開闊與自由的精神所組織，具備港口城市見多識廣的胸襟。展覽在此條件俱足支持下，可以總攬從聲音到物件的異質造型表現，尋藉著木刻、青銅與精緻金屬的道途，漫遊至另闢蹊徑的織品、水泥與發泡劑，乃至紙漿、陶瓷、玻璃的豐富境地，從新認識雕塑的時代意義。

本專輯為2022高雄獎徵件得獎作品，內容豐富，有書寫、繪畫等平面作品，亦有空間、影像、科技及計畫、跨領域藝術作品，共計26件。

這是高雄市立美術館市民畫廊《光•動•禪―劉白個展》同名展覽專輯。劉白嘗試用攝影機和燈光，融和其幾十年的繪畫經驗和相機的快門長時曝光，創造出了一系列的「光的素描」。經過六年的實驗摸索，作出了観念與技術的突破，在這裡自由的想像，獨立的思考，藝術變成無限的可能性。此展是劉白自1983年旅居美國後，首度回到故鄉高雄展出，邀請故土的鄉親一同來分享劉白在異國多年來的藝術創作上的努力與成果。

具有多重身分的藝術家李俊賢在2019年病逝，造成臺灣藝壇的震動。從1970年代中期到2018年，歷經四十多年的藝術生涯，他扮演過國高中教師、組織畫會、擔任雜誌主編、參與紐約中報的美編工作、成為建築系副教授、鐵道藝術網絡督導、駐村藝術家、台新獎觀察員、美術館館長、大學藝文中心主任，這些不同的角色，伴隨著他長年強調以身體感官經驗為基礎的「台味」評論書寫和「台味」美學策展，不僅反映了台灣當代藝術的生態，也呈現了一位穿越過這個生態系總總樣態的藝術家旅程。重新審視李俊賢的藝術生涯，我們是否能夠從他所謂的「藝術拿卡西」走唱路途中，發現某種與眾不同的藝術視野？「李俊賢藝術的旅行路線」這樣的想法浮現在他眾多的藝術創作脈絡中，成為這次展覽的出發點。本展在策展方法上，期望以具體的地方感與土地感的重新探索，呈現藝術家李俊賢的精神地理學，鋪陳李俊賢藝術精神從TAKAO(打狗，高雄)、台灣到南島山海所輻射出的「南方HUE」。