台北市立美術館

「大家都來看你了—倪祥個展」，聚焦於高齡者照護的議題。展覽第一部分是堆積成山的舊家具、民生用品等雜亂地陳設其中，這些家庭物品介於看似已廢棄損毀，卻又似乎還可以使用的狀態之間。倪祥在與囤積症家人的共同生活中，丟棄與捨不得丟棄的拉扯，創作賦予這些棄之可惜的物品一種新的詮釋，也在與家人相處之間尋找平衡

「加加減減―和身體玩遊戲」展覽重新翻動雕塑這個有著古老歷史的藝術類型，其作為一種藝術表現形式，與人們現實生活甚至文明發展，有著密切的關係。本展覽專輯收錄四位前輩藝術家作品，呈現包括本館重要典藏、朱銘美術館及蒲添生紀念館之館藏；另集結徐永旭、陳松志及何采柔三位具代表性的當代藝術家；此外邀請法國當代藝術家艾蜜莉．法奕夫（Emilie FAÏF）特為本展創作之全新參與式作品，這些展出作品將映現出時間進程中，藝術家們對於雕塑邊界的思考和演進。書中並集結多項邀請觀眾參與的體驗裝置概念與紀錄，以雕塑形式及鑑賞等面向：觸、雕、塑、組構、凹凸、立體、實驗、延展為題，回望展覽意圖作為讀者接觸當代藝術的開端的初衷和目標。

本書是「Without Composing：張永達個展」展覽專輯，展覽自2023年7月15日至2023年10月8日於台北市立美術館三樓3B展覽室展出。藝術家張永達著重關注環境科學以及資訊數據，嘗試將科學研究融入於藝術創作之中。

本書為「最後一人、越南士兵、遊客、阿遠、獵人和遊手好閒者：王耀億個展」展覽專輯，展覽自2023年7月15日至2023年10月8日於臺北市立美術館三樓3B展覽室展出。藝術家王耀億跳脫純電影形式的框架，進而討論家國、民族認同與影像霸權。

「生活決定意識：高重黎」展出高重黎的系列創作――對攝影、電影、雕塑、動畫、影音機器等工業時間客體的批判性考掘，及其不斷審視自身生產條件之實踐。本專輯收錄作品圖片、筆記、手稿、文字等，呈現藝術家橫跨四十年的創作維度。

推出「狂八〇：跨領域靈光出現的時代」展覽是北美館四十週年的重要里程碑。期以研究形成展覽開啟不同視野的策展可能，並回顧臺灣八〇年代在文化藝術領域的蓬勃發展。本專輯的出版記錄多元的文化表達形式，期能激發更多對自我史觀和文化意識的討論，並開啟廣泛的研究可能。

本書為「injector after Null: 鄭先喻個展」之展覽專輯，2021年3月27日至8月8日於本館三樓3A展覽室展出。

本次的展出著重陳建榮幾年來創作所關注的部分—描繪出理想中的建築空間。畫中運用曖昧性的空間演示語法，形塑出似假還真的空間。非正規的透視法則、不確定性的物理屬性、強烈的線性動能，譜出傾向冷調的空間。並藉由 「建置/拆解」、「繪製/塗消」的行為過程，以及伴隨而生之痕跡產物，體現了一個趨近於建構、抽離與還原的反覆循環。藝術家營造這些特殊視覺場域，不受限於一般的建築成規，只服膺於創作者的個人想像，也邀請觀眾

「2025台北雙年展：地平線上的低吟」由策展人山姆．巴塔維爾(Sam Bardaouil)與提爾．法爾拉特(Till Fellrath)共同策劃。自臺灣層疊交錯的歷史背景、創作軌跡獲得啟發，提出「思慕」(Yearning)此一核心概念，並藉由這種幽微深刻卻又普世共通的情感，彙集跨越國界、時代、語言的眾多藝術作品，以此開啟一段溯及過去、形變當前、移轉未來的旅程。本專輯完整紀錄展出作品，並收錄策展論述，以及學者黃建宏、崔末順、蘇致亨回應「思慕」此一核心概念的研究專文。

「2025台北雙年展：地平線上的低吟」由策展人山姆．巴塔維爾(Sam Bardaouil)與提爾．法爾拉特(Till Fellrath)共同策劃。自臺灣層疊交錯的歷史背景、創作軌跡獲得啟發，提出「思慕」(Yearning)此一核心概念，並藉由這種幽微深刻卻又普世共通的情感，彙集跨越國界、時代、語言的眾多藝術作品，以此開啟一段溯及過去、形變當前、移轉未來的旅程。本書為展覽專輯中文版，完整紀錄展出作品，並收錄策展人撰寫之策展論述與展覽解析，以及學者黃建宏、崔末順、蘇致亨回應「思慕」此一核心概念的研究專文。

本書收錄八篇經典篇章，分為「藝術與理論」、「意識與身體」與「機器與計算」三個單元，試圖由這三個面向為技術與藝術的命題開啟反思的距離。這些篇章著述發表於1810年至1996年之間，出自不同的領域，觸及了繪畫、雕塑、音樂、劇場、舞蹈等藝術領域，更涉及了計算、測量、模擬、操偶、製鞋、造橋等技術。它們似乎不直接討論「藝術」，然而，它們對於「技術」的深刻討論卻能讓人重新觀察藝術與技術的關係，讓人重新省察「藝術」與「技術」的意義。八篇經典篇章皆為全新譯本，由原文版本直接中譯，經詳細考據、審訂；此外，本書特別安排深度導論與單元導讀，期提供讀者閱讀思索技術議題的起點與路徑。

本書為臺北市立美術館「懷德樂美：倪蔣懷紀念展」之展覽專輯。「懷德樂美：倪蔣懷紀念展」回顧倪蔣懷的藝術創作歷程，梳理其畫作、日記與相關圖書文獻，並以「水彩先驅」、「礦野炭地」、「基隆港都」、「人像・裸女」、「臺北城」、「旅人・遊跡」、「日常・凝視」七項主題，呈現其創作脈絡與藝術精神。另特設「寶峯美術館」專區，展出倪蔣懷於1930年代末為籌建美術館而收藏的石川欽一郎等日、臺畫家之作品與圖書，藉此體現他對現代文明精神與價值的體悟，以及推動臺灣美術發展的宏願。

本次個展聚焦在他近期的跨領域嘗試：劇場界有許多已逝或英年早逝的英才，例如:田啟元（1964-1996）、陳明才（1961-2003）、周逸昌（1948-2016）等。他們對台灣的劇場界都有深遠的影響，都是開拓者的角色，可惜好像有很多應該接下來要完成的作品或事業沒有 辦法完成就離開了。他非常渴望知道這些英年早逝的英才是否有所遺憾，是不是有未完成的作品想要幫忙繼續完成?所以思考是不是經由靈媒或觀落陰的方式可以把他們找出來，問他們有沒有要完成的劇本或故事，讓我們還在現世的後輩可以幫忙完成。一開始是黑白的紀錄片，記錄著探訪靈媒的過程，問這些靈媒他們三位有沒有未完成的作品。並且跟這三位亡靈討論這個作品要如何繼續發展，後面是彩色的影片，依據訪談後結果的一個表演作品。這是跟逝去亡靈的共同合作，最後根據他們所想要做的來完成一個新的電影和裝置。

「雙鉤廓填」，取自古代書畫摹本的技法。「雙鉤」，用細勁墨線鉤勒字形輪廓，「廓填」，以墨填充其內。此一技法強調形式上的描繪與內涵上的填實，其本質即是「結構」與「內容」之間的共構關係。藝術家借用這一古典手法，不只是回應書法技藝的歷史脈絡，更透過此術語轉化為一種當代藝術創作的概念模型。這個模型意味著：對於當代社會各種表象的描摹（鉤勒），以及對其內部空洞、荒謬或重複問題的批判與填補（廓填），從而形成具有批判意識的藝術語言。本展旨在思考書法於當代的語彙與形式，探索其在生活脈絡中的流動與再生，並激發觀眾對「書寫」更開放且具想像力的體驗與認知。

本書為臺北市立美術館「黑潮：賴純純回顧展」展覽專輯。展覽由張晴文策劃，以「黑潮」為名，象徵賴純純創作純然而深邃、多變卻一貫的特質。透過「存在與變化」、「真空妙有」、「海洋與仙境」、「社會參與」等四個子題梳理賴純純1970年代至今的創作脈絡，展出油畫、壓克力繪畫、複合媒材創作、雕塑、裝置、手稿、影片與文獻等百餘件作品。展覽專輯完整收錄展出作品圖版，以及策展論述、藝術家自述、藝評家峯村敏明與獨立文字記者吳垠慧所撰寫之專文。

「臺北美術獎」為臺灣藝術界極具指標性的獎項，首獎藝術家透過在北美館舉辦個展的機會，得以更完整呈現其創作脈絡。黃麗音在2022年以《蒸蒸日上》獲臺北美術獎評審團推舉為年度首獎，時隔兩年推出「Lili Deli 麗麗食品」，自其一貫對「食物」的跨國與跨文化生產系統的關注出發，以擬仿店舖的形式，透過現成物、多媒材雕塑、聲音裝置、攝影的組裝陳設，在展場空間錯落出日常飲食消費的微景觀，邀請我們思考當代消費慣習下物質的生滅與循環。

膠彩畫是臺灣美術史發展中意義獨特值得探究的一章，亦是本館長期關注及典藏的方向，2000年舉辦「東亞油畫的誕生與開展」及「臺灣東洋畫探源」兩個展覽，聚焦日治時期美術發展的兩大方向及其對臺灣美術發展的影響，其中後者便以「臺灣東洋畫」（今之膠彩畫）為主，本館竭力對1950年代以前「臺灣東洋畫」史料及作品進行蒐羅整理，視其為複雜的時代性藝術產物，透過區域發展的彙整探討，以北中南分區方式照看「臺灣東洋畫」創作中所呈現的地域群體與世代傳承，藉由美術館的資源投入及展覽做為深度關照臺灣美術發展的深耕機會，並藉此機會蒐購作品，為本館典藏品增添能量。20多年後，在較少以媒材為主軸來討論單一繪畫種類的現今趨勢中，我們再次面向膠彩繪畫，舉辦「喧囂的孤獨：臺灣膠彩百年尋道」，嘗試以表現風格上的特質為本，觀看膠彩畫不同時期的發展環境起伏與藝術家的應對方式。時序往前自形塑東洋畫的日本畫之源流回探，審視面對西洋繪畫刺激而重新整合的膠彩畫，在守護習自東方並已建立自身體系之筆墨繪畫前提裡，加入西洋繪畫特質，如：透視、陰影、色彩等，產生融會各種特質的基因，也體現這是一個試圖振興的繪畫發展提案，從這些爬梳重讀膠彩畫的特質，是過往較少被提及的。而延承此東西兼容特質的膠彩畫在臺灣又開展出具有本地特色的樣貌及留傳脈絡，從第一代畫家的熱切學習，到面臨正統國畫之爭的質疑而嘗試釐清水墨繪畫南北分宗的差異，至發展空間漸狹圖求改變的定名重塑，而後迎來大學專業學制的建立與專業創作者的養成，繼而為膠彩開啟更多方向的反思與探索，以這些脈絡重新檢視20世紀初期至今時間長軸裡，膠彩繪畫在臺灣的內涵特質及可能性。任何一個現象都受多重因素影響而形成，傳統的影響是往復的，往往呈現學習、突破、返回學習的向前又往後的循環。本展基本希望能呈現臺灣膠彩發展尋道過程的擺盪，在媒材技法的探研和取用中，如何兼具對東方與西方的探索。藉由展出作品體現膠彩畫類百年來表現的多種風貌與人文厚度，並展望其未來的開放性。讓觀眾能親身感受此媒材表現中的含蓄，專注體驗它所逸散著特殊的緩慢變化與優雅，相較於其他繪畫，膠彩繪畫的表現似乎更偏向心情的美學，在畫作中，創作者與觀賞者共享各種不同的即物生情。「喧囂的孤獨：臺灣膠彩百年尋道」展場空間用具有時代象徵的建築風格默默地為每個發展時期提供展示的背景，展品的陳列也可見展覽團隊在展覽整體規劃上的各項努力與巧思。此次共展出51位

本書為「托瑪斯．德曼 歷史的結舌」展覽中文專輯。展覽由攝影展覽基金會、尤倫斯當代藝術中心與臺北市立美術館共同策劃，2025年1月18日至5月11日於本館展出。德國藝術家托瑪斯·德曼(Thomas Demand)以逼真的紙製模型創作觀念攝影聞名於世。他對媒材特性的探討以及對議題演繹手法的細膩層次，深刻反映出他在視覺傳遞過程中的獨特哲學思考。德曼擅長結合雕塑與建築的空間元素，以及平面攝影的敘事本質，透過歷史與記憶、虛構與現實之間的交錯，挑戰我們對攝影與真實之間的固有聯想。

1945年太平洋戰爭結束，隨著臺灣政權轉移，身處於各博物館的標本有的四處流落，甚至荒廢，有的失去文件紀錄，然而標本是一種目的性的產物，當其目的性不再存在時，懸宕的意志與欲望讓祂們變成一種很尷尬的存在，隨著現代化的進程，祂們的身體成為物種的代表，我們該如何觀看這些被佚失的標本並理解祂們？本次展覽試圖在科學與歷史中透過非科學的方式與祂們溝通並共作，讓祂們在科學之外、帝國之外、歷史之外成為自己。本展為蔡咅璟歷經三年的創作集結，透過日治時期遺留的標本和相關文獻，轉化展出四組件影像裝置作品。展覽專輯收錄作品創作歷程、展出紀錄照、專文，完整呈現一系列作品面貌。

本專輯為藝術家陳以書2024年於臺北市立美術館舉辦之「假山水—陳以書」個展之紀錄，內容收錄德文原文專文兩篇及展出作品及藝術家作品介紹。陳以書《假山水》系列作品 (2020- 2024)，以太湖石造景為動機，並且受到義大利攝影師Luigi Ghirri (1943-1992) 拍攝遊樂園假山之啟發，探討圖像在真實與虛幻間的呈現。 藝術家運用石形的堆疊構圖，將「假山」的概念植入畫景，並凸顯其基座的橫切底線，提示觀者以虛入實的意圖。2022年，藝術家納入當今烏俄戰爭議題，試圖於畫面中的地景圖像反覆推移抽象的框線與色塊，提供觀者思索關於國界/ 國土、界線/ 定位的問題。

風景畫是藝術家熱愛的主題，它是自然走入畫框的軌跡，亦是人與空間、記憶的連結。你是否還記得小時候拿著素描簿到戶外郊遊寫生，或是天馬行空的畫圖日記?無論是童話裡的城堡、公園裡的玩耍、散步、觀察的螞蟻路徑，或者是與家人出遊爬山的場景，都是孩子們喜愛紀錄的主題，孩子們經常將這些所見透過畫筆將身體比例、多個場景畫在同一畫面上。每一天他們都在發揮想像與創造力，為日常生活添加不同調味，紀錄、發明了看似是背景，實是則重要的場域及視野，巧妙呈現了小腦袋中的記憶風景。同樣地，藝術家在面對自然時，也不單只是再現眼前景致，而是經過反覆的觀察與思考過後對自然的重新詮釋，以畫表達心中感受，成為一種追憶、再造、神遊之地。本次展出以風景畫為發展主軸，透過館內典藏的風景作品及委託互動裝置的展出，期望讓觀眾與風景作品在展場展開有趣的互動，一同探索藝術家是如何透過「風景」的繪製，在畫布上呈現日常生活中最真實的演出。展覽以「寫生自然」、「人造風景」、「內在風景」等三個子題，探索各時代作品在「風景」概念中的藝術與環境，感受藝術家在面對風景時的獨特視角，以及他們如何透過藝術表現對自然和文化的理解。

本書為 「小世界2023台北雙年展」之展覽專輯，該展於2023年11月18日至2024年3月 24日在臺北市立美術館一樓、二樓和地下一樓的展覽室展出。 2023台北雙年展提出「小世界」（Small World）作為主題，這一看似簡單的詞，實則蘊涵複雜交疊的面向 。它代表希望、承諾，同時也暗藏某種程度的懼怕、不安⸺希望能對自身小我的生活擁有更全然的掌握權，卻也懼怕被孤立於大我的群體之外。當世界在尺度上縮小時，可以拉近彼此的距離，但當人與人之間相互疏離時，世界在情感層面上也變得渺小：「小世界」就發生在這樣懸浮、矛盾弔詭的狀態中。

「摩登生活：臺灣建築1949–1983」邀請吳光庭、王俊雄、王增榮三位學者進行研究策劃，展覽刻意聚焦觀眾容易親近的生活面向，將臺灣現代建築發展以三十二個建築案例呈現，依建築面貌與社會背景變遷歸納於美援、中國復古、中國現代、在地現代、非典型與新生活等六個子題。展場中除模型、手繪圖面外，亦穿插藝術作品、家具，援引建築師訪談、資料影像；並承蒙協力單位支持，完成一系列建築攝影紀錄，也帶入大量的窗景，加強建築展的「臨場感」。展覽不僅是對現代建築的關懷，也是臺灣文化發展的故事集，透過多樣的媒介與景觀編排，觸發觀眾對於生活願景的回望。

威廉·肯特里奇展是臺北市立美術館首次攜手英國皇家藝術學院共同推出的展覽。展期從2024年5月4日至9月1日。威廉·肯特里奇是當今一位享譽國際、備受尊崇的重要南非當代藝術家。他豐富的學養與特殊的生長背景，能以樸素的素描，創作出激盪人心的作品。本次展出百餘件藝術家進40年來的代表作品。

「臺北美術獎」是臺灣兼具前瞻性與指標性之視覺藝術獎項。本屆由莊培鑫、彭思錡、李立中、彭韋、賴俊廷、陳肇驊、吳家昀、吳瑋庭、陳姿尹等9位進入決審，評審依據展覽樣貌，從中選出2023年「首獎」及2位「優選」。

本書為臺北市立美術館「吾之道：何德來回顧展」展覽專輯，每本專輯均隨附別冊《何德來作品彙編》一冊。「吾之道：何德來回顧展」展出何德來（1904-1986）油畫、水彩、素描、書法、水墨等各階段部分代表作，共二百餘件作品，以「東美」、「新竹」、「新構造社」、「母•妻」、「目黑•家」、「宇宙•探源」、「筆•墨」、「速寫•風景」等八項主題，梳理何德來的創作脈絡。展出內容整合照片、信件、新聞、手稿、筆記等文獻檔案，探究何德來藝術實踐的多樣形態及其交互關係。

本出版品為「在夾縫中行走」展之專輯。該展由北美館資深策展人張芳薇策劃，邀集1960年代以降29組/位橫跨數個世代的臺灣與國際藝術家參展的策畫型國際群展。展覽以概念鋪呈為策畫方法，展出作品媒材與形式多元，包含平面繪畫、實驗水墨、動力裝置、行為表演、雕塑、錄像及相關文物等，期望打開與觀眾多重層次的對話；同時也邀請文化研究學者李立鈞以圖像理論、文化史與哲學視角，發展一系列圖文與展覽並置並行，繼而延展研究路徑及其與作品之間的對話。本展精選北美館重要館藏品同步展出，並向各國際藏館合作借件，並邀請年輕藝術家提出新作。

近三十年來，檔案在藝術領域與人文社會學科中皆引發起了許多討論。在台灣方興未艾的「檔案熱潮」下，《當代文本：檔案》希冀對檔案的概念與實踐加以爬梳與檢視。今天，檔案或許指涉文件、圖像、史料、文獻、資料庫、檔案館，但它也被理解為收藏機制、某種創作的類型、意識形態、權力形式甚或思考的模式。所以檔案究竟為何？是什麼讓當代的藝術家、哲學家、歷史研究者對於檔案如此著迷？而檔案又涉及了哪些問題意識？藉由集結一系列歷史上重要的檔案相關經典文章，《當代文本：檔案》重新回顧歷史上關於檔案的重要討論，並以此審視當代的檔案實踐，批判性地提出檔案方法學面向的發想與反思。

本書為臺北市立美術館「吾之道：何德來回顧展」相關出版。自臺北市立美術館收藏的藝術家何德來手稿筆記本《吾之道①》與《吾之道②》，及其家屬所藏的《隨筆》筆記本中，翻譯選編何德來1973年10月至1980年5月，及1984年間創作的詩歌。

「2022臺北美術獎」共有366件參賽作品，經由專業嚴謹的三階段評審過程，最終選出11位入選創作者。本書為「2022臺北美術獎」展覽專輯，展覽自2022年12月10日至2023年2月19日於本館三樓A、B展覽室展出。

主要探討近二十年來當代藝術新一波折返「身體」而進行的「跨域展演」所展現的新意、內涵與可能觸發的新詮釋。「身體」經常是二十世紀以降的藝術流派發展到了特定程度時，就會以「行為」與「表演」而折返的基礎 (如Dada 與 Fluxus)。近二十年來在大型機構如全球化下的美術館與藝術中心大行其道的跨域展演，更使得舞蹈、音樂與戲劇等在複雜的層次上互滲，尤其是以「身體」為表現媒介的舞蹈更展現了特別的連結，使得「身體」在美術館與當代舞蹈的不同脈絡下顯現出多重意義。雖然現代理論與藝術實踐總是將「反抗」的想像投射在「身體」上，「展演的身體」除了作為「抵抗機構與體制」的想像投射物，還能是什麼? 身體的展演在「當代」能開展出什麼意義? 千禧年以降的跨域展演浪潮能提供當代文化什麼新的解讀與詮釋? 又為什麼要跨域? 當代跨域展演對舞蹈/音樂/戲劇的意義是什麼? －－透過這樣的跨域與互滲，當代文化與藝術究竟產生了什麼轉變? 「當代展演」，作為讀本系列的第一集，將追根究底，討論究竟是什麼召喚了當代的跨域展演? 當代藝術為何產生了新一波的當代展演? 這一波跨域當代展演的趨勢終究帶給了當代藝術什麼新的觀點?

本書為「十六分之一休止符後-陳庭榕個展」之展覽專輯，2022年8月20日至11月13日於臺北市立美術館展出。旅居奧地利維也納的陳庭榕，延續長期關注聲音領域和權力體系與記憶和身份的對應關係，展覽探究心戰與聲音武器文本發展，在情感調性作用下，「彼此」的界線張力、投射與規馴的生成，以及沈靜與發聲之間的對話。

兔子、狐狸、鼠鹿、鱷魚、螃蟹......隨著樂音舞動、跳躍，不同動物的形象在快速交替出現著，當我們快要從張徐展的影片當中尋找自己熟悉的故事，角色旋即變換成另一種樣子，這種既熟悉又充滿流動性的想像空間，是張徐展近年自《Si So Mi》（2017）這件作品開始，企圖透過藝術創作來摸索台灣文化當中具有普世流動的文化特質，並且探討在世界不同角落的社會由集體意識所發展出來的相似故事，而張徐展將這些故事的輪廓視為一個容器，每個人都能按照自己的生命經驗與文化背景，自由填入故事情節的容器。「複眼叢林」展出的內容為2018年開始發展的「動物故事系列」，這個系列源自張徐展於2018年在東南亞的駐地研究創作。鼠鹿是馬來文化當中常見的民間故事角色，著名的《鼠鹿過河》即是聰明的鼠鹿為了過河採食對岸的果實，用計欺騙水中的鱷魚排成一列讓牠順利踩著過河。不僅是鼠鹿數著鱷魚過河，在世界不同地方關於聰明小動物與其他動物鬥智的故事有很多，而主角則因各地自然環境、歷史背景而有所不同，因此張徐展的《熱帶複眼》打造了一個水岸場景，結合他收集來各個相近母題的民間故事，不同的動物形象快速流變，擴張了解讀的空間。「複眼叢林」的各件作品圍繞著《熱帶複眼》而展開，第一個展間裡是影片場景重新組裝成的立體裝置，《湖景跳台》場景內排列了多個身背扮裝戲服的藝陣角色，呈現台灣民間傳統藝術特色；而《魔山普陀巖》則是多個演奏甘美朗與中式鑼鼓的樂手角色環繞一潭湖水的神秘空間。《Untitled》及《狼與虎與其他》將《熱帶複眼》片中的重要情節提煉出來，讓觀眾在複眼叢林中的多個空間裡遊走，將碎片般的視覺經驗組成獨一無二的感受。

「hi!你好! ― 蕭筑方個展」延續藝術家多年來的繪畫創作，以炭筆素描作為手稿，畫布作品來記錄生活中的奇想或情緒，像是單格漫畫般充滿戲劇性，有愉悅或煎熬，苦笑或自嘲。跳脫過去使用電腦軟體配置顏色及壓克力平塗的繪畫技巧，蕭筑方近期的創作方式更貼近一種尋找模式，像是將繪畫過程拉長，在收斂和外放之間猶豫，使畫面多了些思考過程，也讓扁平的畫面出現更多律動的筆觸。藝術家以「hi!你好!」作為展名，並分成四個子題呈現，一個普通的招呼語，因情境或語境的改變，而產生不同的表達或感受，藝術家將藉由本展傳達個人的生命狀態，以及她如何回應這個世界。

本書收錄「碎化的史觀―江凱群個展」完整圖版、展覽現場照及藝術家創作自述，亦包含藝術家訪談呈現江凱群創作細節與內涵。「碎化的史觀」是物（object）的現象學。江凱群透過物件、作品及文件進行記憶的「再生產」――以馬賽克、繪畫、攝影與裝置藝術等形式，還原主體所乘載的歷史多重性與破碎性。藝術家江凱群曾於2016年展覽「第三人稱的過客」，回顧自身在異國的漂泊經驗，透過日常的物件連結至旅行經歷，遠觀生活的痕跡。然而，全球疫情限制了實體的旅遊與交流，藝術家回到臺灣在地，開始思考疫情之下「藝術生產」的親身經驗，與過去異國遊歷之間的交相衝激。2022年，江凱群於本館舉辦「碎化的史觀」個展，試圖以物溯史，綜合檔案與藝術本體之美學，展現「歷史的碎化重構」。觀眾得以藉此重新思考自身的根源，展示對世代的依戀。

為腼懷臺灣當代藝術的重要推手蕭麗虹，於去年（2021）捐贈本館其生前近四十年（1976–2014）的持續收藏、出自於26位臺灣當代藝術家的創作作品共43件，策劃「小中現大：蕭麗虹的臺灣當代藝術收藏」展。

本專輯為「掘光而行：洪瑞麟」展之展覽作品、文獻及展場紀錄，並收錄策展論述等文章。本展以洪瑞麟生平為主軸，呈現洪瑞麟不同時期創作風貌，並整理藝術家年表，完整呈現藝術家線性歷史及創作脈絡。洪瑞麟為日治時期的臺灣藝術家，以礦工畫家為世人所知，本專輯收錄洪瑞麟自繪畫啟蒙至晚期旅居美國之作品，盼能以更全面的角度認識洪瑞麟。

本書為「空間迷向―何孟娟個展」展覽專書，內含作品完整圖版及藝術家創作自述。本展以何孟娟於2013年啟動的「魏斯貝絲計畫」為主軸，透過攝影、空間裝置，呈現紐約非營利聚落「魏斯貝絲藝術公寓」數十年的日常樣貌。藝術家何孟娟一直以來致力於攝影創作，關注數位影像在科技日益更迭之際的可能發展。藝術家擅長運用繪畫概念，為影像作品增添多維的空間調度，與具故事性、時間敘事性的元素，藉此思索當人面對既定的社會價值觀時，現存的文化載體是否有其他得以轉換的生存機制與表達路徑。

2002年，娜塔莎·維塔·莫爾（Natasha Vita-More）在未來學家雷蒙·庫茲維爾（Ray Kurzweil）的線上論壇網站發表她設計的未來人類身體構造稱之為“普里莫後人”（Primo 3M+）。這個關於未來人類的設計概念是把我們的壽命無限延長。她宣稱通過生物科技及人工智能將提供我們的身體具備更佳的擴展性和現代風格。比如，設計客製化大腦（Metabrain）；人類的納米技術結合人工智能建構脊柱通信系統⋯⋯Primo的設計預示一個可訂製、可變的、可升級的，並且具有感官能力的未來人類原型。「何為人」？從Primo這個未來人類身體設計概念，讓我們可以預見今日技術變革的節奏越來越迅速，人類這個物種生成了一個科技-結構的範式。雷蒙‧庫茲維爾在《奇點臨近》一書中，他從生物和技術兩方面，將人類進化的歷史概念分為六個紀元；而此時此刻來到了第五紀元：“奇點”(Singularity)降臨。他指出奇點就是人類與技術結合的頂點，它將克服人類進化的局限性。漢斯．莫拉維茨更大膽預測到 2040 年，機器將達到人類的智能水平，到 2050 年，它們將超越我們。他認為智能機器將成為我們的“繼承者“：它們從我們身上成長，學習我們的技能，分享我們的目標和價值，可以被視為我們心靈的孩子。他們二位都信誓旦旦地宣告21世紀未來幾十年技術朝向機器化發展，人機文明必將超越人類的智能。不論是哲學家、科學家、未來學家都以驚人的觀點預言以人類為本的世界觀的終結。庫茲維爾和莫拉維茨都認為在機器統治世界的未來，我們的思想，我們的身體，甚至我們的大腦將被智能機器取代，在人類與機器之間已經不存在差異。從每一個面向上，「人之為人」的條件已轉了一個大彎，不再依賴哲學本體論作為人安身立命之本。關於「人類」這個概念不單純是一種知性批判或想像，這一擊，徹底擊潰上帝─人類以某種形式存在的法則。哈拉瑞（Yuval Noah Harari）提出人類面臨的三大新議題，其中，當生物醫學工程、人機工程、無機生命工程持續進展，人類將從「智人」躍升成為「神人」，形同握有上帝的權力，那麼人類的終極命運將會如何？以上諸種論點在在驗證著人文主體的崩解。或者說，此時此刻人類中心主義已陷入泥沼而無法再自圓其說。這個展覽將圍繞和貫穿在後人類所體現的一連串思想及重新思考現代人類處境。如果「科技」扮演了「驅魔師」的角色，對人類進行全面「優化」，那麼傳統意