攝影師之眼：數位攝影的思考、設計和構圖（10週年數位修復珍藏版）

★ 蟬連攝影書銷售TOP.1
★ 譯成14國語言，橫掃美、英、法、德、加
★ 各國Amazon讀者4顆半至5顆星激賞評價
★ 跨界探討數位處理、影像藝術與設計美學多重領域
★ 照片經數位修復，還原精美色澤與清晰度，紀念經典出擊十年新版

在攝影時，你用的是另一雙眼睛。
拍照時，透過取景器看到的世界，與肉眼所見會有些微妙且影響重大的差異；而攝影師在創作時，基於自身經驗、創作意圖或構圖原理，也是用另一雙眼睛，觀看、預測眼前的世界。

作者寫作本書的目的，是「探索拍照的實際過程。我想稱之為內行人的觀點，不過這樣聽來太狂妄，因為我是借用攝影師（包括我在內）拍攝當下的經驗。拍攝過程中會發生很多事，日後看到拍攝成果的人，卻未必看得到這些事……我在本書想要說明的，是攝影師如何依據意圖、心境和能力，為影像構圖，另外，我也要分享如何精進影像構圖技巧。」

➤一幅畫面應該怎麼構圖？
從基本的構圖元素和攝影技巧開始，解釋照片的大小和比例對畫面的影響、設計基本要素的應用（從圖形結構、線條圖案的配置、斜線曲線暗示的張力、明暗對比，到如何平衡視覺重量等），及色彩色調和構圖的關係。

➤這樣構圖才漂亮！但是為什麼？
作者提出美學的運作原理，包括人眼閱讀畫面的習慣、視覺心理學，如此，若資深攝影師或玩家已經玩膩了基本攝影和修圖技巧，也可以在掌握美學原理之後，變化出更豐富的風格和表現手法。
臨場攝影、街頭攝影的決定性瞬間　攝影師面對的，經常不是靜態、可以所心所欲擺置的場景。作者以實例講解，在街頭拍攝時，如何觀察、歸納、預測景物的變化，以捕捉到決定性的瞬間、高潮的一刻。

➤照片只有一張，卻能呈現不同效果
照片完成之後，再藉由Photoshop等圖片處理軟體，把同一張照片詮釋出不同味道。透過裁切，調校明暗、對比、色彩，讓畫面呈現不同的效果和意涵。

➤認識攝影大師
作者同時介紹許多攝影大師或藝術家出場（例如布列松、安瑟‧亞當斯、羅伯‧法蘭克等），帶我們進入大師的世界，一窺他們拍攝時的想法、意圖及心境。

這不只是一本關於攝影構圖、影像設計的工具書，也是帶你進入攝影創作、攝影藝術的進階攝影書。

【本書章節】
1. 視框：探索景框的動感及形狀、影像接合與延伸、裁切、水平線等要素。。
2. 設計基本原則：對比、圖案、結構、平衡感和視覺重量等。
3. 圖形與攝影元素：水平線、垂直線、斜線、曲線、運動、焦點、曝光等。
4. 構圖中的光和色彩：關於光線、色彩、色調的解說，包括黑白攝影。
5. 攝影意圖：停下來思考拍攝的內在動機和意圖，你的目的是要取悅大眾，還是要與眾不同、出人意表？
6. 攝影過程：是直覺，還是精心的構思？直覺又有什麼基礎？攝影呈現怎樣的藝術語法，又為何比繪畫更難分析？

麥可‧弗里曼Michael Freeman

是能拍又能寫的專業攝影師。

他擔任專業攝影師已達三十多年，足跡遍及五大洲，領域包括當代藝術設計到影像特效。多年來，他在美國國立史密森尼研究所的科學人文月刊中擔任資深攝影師，也為Time-Life系列叢書以及《國家地理雜誌》拍攝很多作品。

他應出版社之邀撰寫及拍攝的書籍有百本以上。第一本自發撰寫的專業攝影用書《攝影師之眼》濃縮了數十年來的攝影心得和技巧，也將過去所有教學用書中，深感不足的部分一一寫了進去，堪稱集大成之著作，在全球各主要語種均有驚人銷售，為近年來最經典的技法教學書，隨後並出版系列續作《攝影師外拍手冊》、《攝影師之心》、《攝影師之魂》及《獵光聖經》。


吳光亞

台大機械系畢，美國蒙特瑞國際學院筆譯與口譯碩士課程研修。譯作包括《行星使用者指南》、《螺絲、起子演化史》、《圓頂的故事》、《樂活誌》、《人類大百科》等。

本書翻譯成多國語言，在美國、英國、法國、德國的Amazon上都名列前茅。
它不僅是藝術攝影的教學書籍，也跨足電腦網路的數位攝影。

【外國讀者書評】
「只要是深思熟慮的攝影師，在讀過此書之後的數年內，一定都會回頭再三翻閱。」
「弗里曼是攝影師或藝術家中，少數能把藝術的相關觀念講解分析得這麼具體、確實的人。它不同於跟其他攝影藝術類書籍，用語平易近人，也不像其他書籍有大量術語阻礙閱讀且缺乏實際的範例。」
「弗里曼確實掌握了影像背後的運作原理，並且講解得一清二楚。」
「我的專職就是撰寫攝影書籍……我要說，這本書是我見過最容易入門又最頂尖的構圖和設計書，不僅適合專業行家，對業餘玩家也很有幫助。在相關主題中，這是第一本能讓我感到既深刻又清晰的攝影書籍了。」

序

「…你如何建構一張照片、照片裡包含哪些東西、形狀彼此之間的關聯、空間要怎樣填補，全部的東西要如何融成一體。」──保羅‧史川德（Paul Strand）

距離這本書首次出版已經十年了，而至今仍有許多翻譯本在世界各地熱銷，我想這可以當做某種證據，說明這本書的原始理念確實有其價值。本書的理念獨樹一格，雖然這麼說有些大言不慚，但我的意思是，這本書跟我所寫的其他書都不一樣。我寫這本書有兩個目標：首先，我想提出執業中的報導式新聞攝影師（editorial photographer）的觀點。對以此為業，且生活中全是攝影的我們來說，某些外行人的文章或著作根本不實際，他們的作品我越來越讀不下去。我在第一版的序文中已經提過這個看法。當時我說，旁觀者的角度沒有什麼錯。我還引用了法國哲學家、文學理論學家羅蘭．巴特的說詞：「我無法加入那些人的行列⋯⋯那些以攝影師的方式處理攝影的人。」那時我如此通融，是我不對，我不會再這樣下去了。在我看來，想要書寫某種創意行為，並且言之有物，首要條件是你必須精通這個行為。否則你寫出來的東西再好看，也可能只是謬論。

再來，我希望拋開一切關於攝影器材的討論，完全專注在影像的組合。畢竟，這才是我和我認識的每一位職業攝影師，主要在做的事情。讓人難以置信的是，儘管人們對攝影的興趣暴增，關於「影像組合」的書寫卻嚴重匱乏。出於某種原因，專業攝影師並不談論構圖。他們認為那是商業機密嗎？他們真的對此閉口不談嗎？（連對自己也絕口不提？）就算他們確實談到了構圖，所言多半也不具啟發性。匈牙利攝影師安德烈．柯特茲（André Kertész）曾經宣稱從他開始攝影起，他拍的每件作品「都有絕對完美的構圖」，聽起來驕傲極了，但他接著又說那不是他的功勞。他說：「我天生就是如此。」這種說法對誰都沒幫助。

請記得，當年職業攝影師還處在攝影圈上游的時候，他們自認是特別的一群。雜誌社和廣告公司老闆也是這麼告訴這些攝影師和他們的觀眾。因此，從產業的角度來看，把完美的構圖歸功於罕見的天賦，也十分合理。沒錯，我以前也是這麼想的，我們過去也都認同這樣的說法。對攝影師來說，「對的東西」不是器材，而是自己的學問。攝影師不會隨便跟別人分享自己的學問，除非那對名氣有所幫助。

這個學問，或者說，學問的產出，就是構圖。那麼，構圖有多重要呢？有鑑於市面上的相關著作不多，你可能覺得它不太重要。畢竟影像的組合還包含了其他元素，像是主體本身有不有趣、特不特別，還有拍照的時機、光源的品質、彩色或黑白照的氛圍。當然，還有器材，最基本的是相機和鏡頭，但不是只有這些而已。無論以前還是現在，去一趟攝影展，你會覺得器材製造商似乎掌握了你能否拍出傑出畫面的關鍵。

身為職業攝影師，一直以來，我拍攝時絕大部分的心思，都放在如何安排出現在視框裡的一切元素。我想我的同事也一樣，只不過我們私底下不會討論這種事情。我們比較常談到的，是如何接觸特定的拍攝主體，以及我們的嘗試與成功的經驗，像是如何前往某個難以抵達的地點、如何說服原本不願入鏡的人讓我們拍照，或是怎麼取得通行的權利。然而，名聲靠的是你在獲得通行權和拍攝角度以後，怎麼處理你的畫面，以及你的想像力是否充沛。雇主之所以雇用我們，我們之所以能接到新的案子，仰賴的是我們組合畫面的方式。圖片編輯、藝術指導重視可靠度和效率，但他們也想看到令他們驚喜、愉快的影像。在1934至1958年間擔任《哈潑時尚》藝術指導、深具影響力的阿列克謝．布羅多維奇（Alexey Brodovitch）有一句名言，他對攝影師的要求是：「驚豔我吧！」

這就是我對構圖的看法，構圖就是攝影的核心。這也是我最初決定寫這本書的理由，雖然我可能不夠生動、文字不夠淺白，但重點是攝影師要能掌控一切，而構圖就是讓你我居於主導位置的唯一因素，構圖讓我們把相機前的混亂理成真正的、吸引人的攝影作品。構圖的重要性始終如一，未來也不會改變。